[et_pb_section fb_built=”1″ admin_label=”section” _builder_version=”4.16″ custom_padding=”3px||1px|||” global_colors_info=”{}”][et_pb_row _builder_version=”4.16″ global_colors_info=”{}” custom_padding=”0px|||||”][et_pb_column type=”4_4″ _builder_version=”4.16″ custom_padding=”|||” global_colors_info=”{}” custom_padding__hover=”|||”][et_pb_text _builder_version=”4.27.6″ vertical_offset_tablet=”0″ horizontal_offset_tablet=”0″ z_index_tablet=”0″ text_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” text_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” text_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” link_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” link_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” link_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” ul_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” ul_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” ul_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” ol_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” ol_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” ol_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” quote_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” quote_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” quote_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” header_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” header_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” header_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” header_2_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” header_2_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” header_2_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” header_3_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” header_3_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” header_3_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” header_4_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” header_4_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” header_4_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” header_5_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” header_5_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” header_5_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” header_6_text_shadow_horizontal_length_tablet=”0px” header_6_text_shadow_vertical_length_tablet=”0px” header_6_text_shadow_blur_strength_tablet=”1px” box_shadow_horizontal_tablet=”0px” box_shadow_vertical_tablet=”0px” box_shadow_blur_tablet=”40px” box_shadow_spread_tablet=”0px” global_colors_info=”{}”]<\/p>\n
(Adapted from the article \u201cPsicofisiologia musicale: perch\u00e9?\u201d, by Federica Righini and Riccardo Zadra.)<\/em><\/p>\n For too long, classical music education has remained anchored to outdated cultural models that separate mind from body, overlooking the fundamental unity between consciousness and physicality. This disconnect has led to a training gap: musicians are rarely educated in body awareness, emotional intelligence, or the mechanics of their own creative processes.<\/p>\n In our work, Psychophysiology of musical performance refers to an integrated approach that explores the complex relationship between body, mind, emotions and creative processes in musical practice and performance. Thoughts, beliefs, emotional states, quality of attention and physical organisation directly influence: For this reason, improving performance means learning to work not only on musical material, but also on the internal conditions that shape the way music is learned, embodied and expressed.<\/p>\n Psychophysiology of musical performance does not focus exclusively on problems such as:<\/p>\n An equally important part of the work concerns the study and development of models of artistic excellence<\/strong>.<\/p>\n By observing how highly effective performers organise their attention, perception, emotional state and physical coordination, it becomes possible to identify reproducible strategies that support artistic growth.<\/p>\n Musicians are encouraged to take an active role in their own development, learning how to recognise the internal processes that support or hinder their progress, and how to cultivate more effective and sustainable ways of practising, performing and relating to their artistic identity.<\/p>\n One of the central areas of this approach concerns the management of attention.<\/p>\n During practice and performance, attention is continuously influenced by internal dialogue, expectations, judgments and emotional reactions. Learning to direct attention consciously allows musicians to:<\/p>\n improve concentration and learning efficiency \u00a0<\/p>\n Another fundamental pillar of psychophysiological work is physical awareness.<\/p>\n Posture, breathing, movement organisation and muscle tone deeply influence:<\/p>\n Developing refined proprioception \u2013 the capacity to feel oneself while moving and playing \u2013 allows musicians to recognise unnecessary effort, improve coordination and support technical efficiency with less strain.<\/p>\n Physical awareness is also essential for learning how emotional states are embodied and how tension, fear or excessive control can interfere with both technique and musical communication.<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Psychophysiology of musical performance pays special attention to the processes of internalisation.<\/p>\n Mental practice, auditory, visual and kinaesthetic imagery, and the conscious use of imagination play a decisive role in:<\/p>\n This work helps musicians move from a predominantly analytical and external approach to music towards a deeper embodied understanding of musical form, gesture and expression.<\/p>\n Imagination is treated not as a decorative element, but as a powerful cognitive and perceptual tool that directly influences learning, motor organisation and artistic intention.<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Beliefs about talent, success, failure, effort and self-image strongly affect the way musicians study, perform and evaluate themselves.<\/p>\n Psychophysiology of musical performance investigates how:<\/p>\n Musicians learn to recognise limiting internal narratives and to develop a more constructive and flexible relationship with mistakes, uncertainty and artistic growth.<\/p>\n Clarifying personal motivations and artistic values becomes a key element for sustaining energy, creativity and commitment over time.<\/p>\n \u00a0<\/p>\n Rather than referring to a fixed and universal \u201cpractice method\u201d, we speak of an art of practising.<\/p>\n This means learning how to:<\/p>\n Effective practice is understood as a process of continuous self-observation and self-regulation, in which technical, perceptual, emotional and motivational aspects are integrated.<\/p>\n In this perspective, practising becomes not only a means to improve performance, but also a powerful path of personal and artistic development.<\/p>\n [\/et_pb_text][\/et_pb_column][\/et_pb_row][\/et_pb_section]<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" (Adapted from the article \u201cPsicofisiologia musicale: perch\u00e9?\u201d, by Federica Righini and Riccardo Zadra.)For too long, classical music education has remained anchored to outdated cultural models that separate mind from body, overlooking the fundamental unity between consciousness and physicality. 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Una specie di \u2018doping\u2019 naturale, insomma.<\/span>\r\n Intervistato al riguardo sul quotidiano La Repubblica, il celebre direttore d\u2019orchestra Daniel Oren ha negato seccamente che la musica possa avere un qualunque influsso sul corpo e ha affermato che essa pu\u00f2 soltanto \u201cstaccare la mente dalla realt\u00e0 terrena e portare quasi ad annullare le facolt\u00e0 del corpo\u201d.<\/span>\r\n Senza negare la nobilt\u00e0 di intenti che intende esprimere un tale messaggio, \u00e8 difficile, leggendolo, evitare di constatare una volta di pi\u00f9 quanto la musica classica sia rimasta ancorata a modelli culturali arcaici, obsoleti e soprattutto estremamente limitanti. Presa alla lettera, questa asserzione potrebbe portare a sostenere, paradossalmente, che il movimento e la danza non sono influenzate dalla musica o che le emozioni e le sensazioni prodotte dalla musica non hanno alcuna relazione o influenza sul corpo.<\/span>\r\n Le conseguenze di un simile presupposto sono certamente all\u2019origine di una certa arretratezza della formazione dei musicisti, che vengono poco educati alla consapevolezza corporea, con tutte le conseguenze che ne derivano; poco abituati a conoscersi e \u2018percepirsi\u2019, tendono a sviluppare una scarsa confidenza verso i loro processi interiori, le loro emozioni e i loro meccanismi creativi.<\/span>\r\n Per lungo tempo, nell\u2019ambito musicale accademico, \u00e8 stato quasi un tab\u00f9 parlare di problematiche quali la paura del pubblico, l\u2019ansia da prestazione, i blocchi emotivi o anche solo delle tensioni muscolari legati a posture scorrette; questa reticenza, ancor oggi non sempre facile da superare, finisce per ingenerare col tempo una confusione nella percezione di s\u00e9, nella consapevolezza dei propri valori e dei propri obiettivi, contribuisce a perpetuare metodi di studio inefficaci e incentiva la frustrazione nella relazione con lo strumento e con la professione del musicista.<\/span>\r\n Sotto il nome di \u2018Psicofisiologia dell\u2019esecuzione musicale\u2019<\/em> indichiamo la pratica, lo sviluppo e l\u2019insegnamento di quanto abbiamo sperimentato in oltre vent\u2019anni di esplorazione delle discipline e scuole, le pi\u00f9 diverse, dedicate alla crescita personale, alla consapevolezza corporea, all\u2019espansione del potenziale creativo. La Programmazione Neuro-Linguistica, il metodo Feldenkreis, l\u2019Integrazione posturale, la Bioenergetica, tanto per citarne alcuni, ci hanno aperto entusiasmanti orizzonti e strade di cambiamento, stimolandoci a sperimentare la loro possibile applicazione nell\u2019ambito della musica; su noi stessi come musicisti e sui nostri allievi in quanto didatti.<\/span>\r\n La denominazione di \u2018Psicofisiologia<\/em>\u2019 ha quindi lo scopo di sottolineare l\u2019unit\u00e0 fondamentale corpo\/coscienza; attraverso una calibrata sintesi tra gli aspetti fisiologici e psicologici della \u2018performance\u2019 musicale e la comprensione della loro interrelazione \u00e8 possibile affrontare in modo efficace e creativo le problematiche pi\u00f9 comuni tra i musicisti. Inoltre, ancor pi\u00f9 importante, la consapevolezza psico-fisica offre chiavi sorprendenti per tutto ci\u00f2 che riguarda il processo di interiorizzazione e maturazione di un\u2019interpretazione musicale. Nel nostro lavoro, cerchiamo di sintetizzare in un modo sempre pi\u00f9 semplice, pratico e diretto le esperienze e le conoscenze acquisite nel tempo per fornire ai musicisti esperi enze di cambiamento immediate e strategie facilmente assimilabili e ripetibili.<\/span>\r\n Il naturale sviluppo di questa ricerca \u00e8 anche quello di esplorare e sperimentare come e in che modo i musicisti, anche coloro che hanno gi\u00e0 una buona relazione con la loro attivit\u00e0, possono ulteriormente espandere le loro capacit\u00e0 e superare i loro attuali limiti. La \u2018Psicofisiologia dell\u2019esecuzione musicale\u2019 offre quindi non solo strategie e supporto per la risoluzione di \u2018problemi\u2019, ma si occupa anche di studiare modelli di eccellenza che possano essere replicati e insegnati. I musicisti vengono incoraggiati ad assumersi pienamente la responsabilit\u00e0 della propria crescita artistica, professionale e personale, a confrontarsi con le loro aspirazioni e motivazioni profonde e a migliorare la loro relazione con la musica e con la loro identit\u00e0 di musicista.<\/span>\r\n Uno scopo ancora pi\u00f9 ampio della \u2018Psicofisiologia dell\u2019esecuzione musicale<\/em>\u2019, infine, \u00e8 quello di dare l\u2019opportunit\u00e0 di una riflessione sul ruolo del musicista oggi; aiutando soprattutto a comprendere come ognuno di noi, con l\u2019atteggiamento, le convinzioni, le comunicazioni, i comportamenti, le scelte (consapevoli o meno) che e sprime, \u00e8 responsabile dell\u2019ambiente nel quale vive e lavora.<\/span>\r\n Nata inizialmente con un approccio specificamente pianistico, negli anni la sperimentazione si \u00e8 estesa ad altri strumenti; nel 2004 la \u2018Psicofisiologia dell\u2019esecuzione musicale<\/em>\u2019 \u00e8 stata proposta al Conservatorio di Adria ed approvata dal ministero come materia obbligatoria per tutti gli studenti dell\u2019 indirizzo interpretativo nell\u2019ambito del biennio sperimentale post-diploma). I nostri corsi sono stati poi effettuati e ripetuti in altri Conservatori (Mantova, Trento, Trieste, Vicenza), scuole private, corsi estivi e naturalmente presso la nostra Accademia pianistica a Padova. Fino ad oggi, sono stati frequentati da pi\u00f9 di 500 studenti tra pianisti, organisti, chitarristi, strumentisti ad arco, a fiato, percussionisti, compositori e jazzisti di et\u00e0 compresa tra i 20 e i 50 anni a diversi livelli di formazione (studenti appena diplomati, professori d\u2019orchestra, docenti di conservatorio, medie sperimentali, istituti privati). Monitorati attraverso questionari anonimi, hanno rivelato una percentuale di successo oltre il 90%, a testimonianza non solo della qualit\u00e0 del lavoro, ma anche dell\u2019esigenza diffusa di una simile disciplina. Dopo l\u2019esperienza iniziata ad Adria sono stati aperti altri corsi analoghi in molti altri conservatori e il successo ottenuto con l\u2019approvazione ministeriale ha indotto altre scuole ad adottare la stessa denominazione.<\/span>\r\n Come spesso accade nella formazione scolastica di ogni tipo, anche in quella musicale il focus principale viene indirizzato pi\u00f9 su \u2018cosa\u2019 si impara, sui contenuti, che su \u2018come\u2019 si impara. Su \u2018cosa\u2019 sai, o sai fare, pi\u00f9 che su \u2018come\u2019 lo fai o \u2018come\u2019 lo sai, o magari su \u2018come\u2019 stai vivendo quello che fai. In effetti, operare su questi livelli implica un salto di coscienza, un cambio di punto di vista oltre la superficie del fenomeno dell\u2019apprendimento per cercare di entrare nella \u2018stanza dei \u2018bottoni\u2019. Assumere una prospettiva pi\u00f9 ampia che cerca di comprendere cosa facciamo dentro di noi, nella nostra mente, nel nostro corpo, quando ci sentiamo paralizzati dalla paura o, al contrario, quando diamo il meglio di noi stessi; quando siamo frustrati e insoddisfatti o quando siamo creativi ed efficaci. E\u2019 in questo senso che intendiamo il detto: \u2018la conoscenza \u00e8 potere\u2019. Conoscersi permette di gestirsi meglio, di migliorarsi, di scoprire nuove possibilit\u00e0 di scelta.<\/span><\/p>\r\n Abbiamo individuato una serie di ambiti di base fondamentali della \u2018Psicofisiologia dell\u2019esecuzione musicale<\/em>\u2019. Ecco una breve sintesi di alcuni di essi.<\/span><\/p>\r\n Il gioco interiore<\/strong><\/span>\r\n E\u2019 facile comprendere il nesso tra lo stato interiore di un musicista e la sua resa artistica, sia essa in pubblico o nella relazione quotidiana con lo strumento, nelle prove di preparazione come nell\u2019insegnamento. Lo stato \u00e8 l\u2019insieme di pensieri, atteggiamenti, emozioni e condizioni fisiche che fanno per cos\u00ec dire da sfondo ad una determinata si tuazione; nel nostro caso, una performance musicale. Molti studi hanno evidenziato come proprio l'abilit\u00e0 di gestire il proprio stato psicofisico \u00e8 la capacit\u00e0 comune pi\u00f9 importante di tutte quelle persone, che, in ogni ambito, conseguono risultati importanti. Si possono osservare musicisti che letteralmente si 'programmano' per entrare instati emozionali negativi o limitanti, attraverso i pensieri, gli atteggiamenti fisici e le emozioni che coltivano quotidianamente (e spesso inavvertitamente) dentro di loro. Qualcuno nutre la convinzione che uno stato di sicurezza e libert\u00e0 creativa sia riservato a persone speciali, di talento, che accada per caso o che sia qualcosa di completamente al di fuori del suo controllo. Alcuni musicisti, quando suonano, si sentono in bal\u00eca delle proprie emozioni del momento, o di situazioni esterne; altri invece sono abituati ad entrare in uno stato ottimale in modo inconscio, quasi automatico, ma non sono in grado di capire in che modo lo fanno e si trovano in difficolt\u00e0 quando non riesce loro in modo spontaneo. Altri, infine, si \u2018adattano\u2019 a suonare in stati di sforzo, ansia e tensione quasi disumani, nella convinzione che, almeno per loro, sia l\u2019unico modo possibile di affrontare la difficolt\u00e0 strrumentale o lo stress dell\u2019esibizione pubblica.<\/span>\r\n Chiunque pu\u00f2 imparare a richiamare, \u2018rievocare\u2019 consapevolmente stati positivi, potenzianti, attraverso i pensieri, le immagini mentali, gli atteggiamenti fisici, le decisioni che coltiva e persegue attivamente. La Programmazione Neuro-Linguistica (Pnl), fondata negli anni \u201970 da Bandler e Grinder, ha elaborato un insieme di conoscenze e strumenti estremamente raffinati per per imparare a \u2018ricreare\u2019 uno stato desiderato, lavorando sul gioco interno delle rappresentazioni mentali, della fisiologia e sull\u2019uso consapevole del linguaggio. La Pn offre un set di strumenti sofisticatissimi e preziosi per un musicista che voglia scoprire in che modo si sta 'programmando', e quale sia la relazione tra le sue scelte quotidiane, i suoi pensieri e le sue attitudini fisiche con i risultati che consegue nella vita.<\/span>\r\n \u201cNon correre!\u201d \u201cNon avere paura!\u201d \u201cNon devo sbagliare!\u201d sono espressioni tipiche, che nella stragrande maggioranza dei casi sortiscono l\u2019effetto opposto a quello che vorrebbero ottenere. Si sa che il \u2018non\u2019 e le negazioni finiscono per avere un potere di attrazione fatale per l\u2019inconscio che viene \u2018calamitato\u2019 proprio nella direzione che si vorrebbe evitare. O quando sentiamo dire: \u201cNon sono mai<\/em> riuscito a suonare bene in pubblico\u201d, \u201cMi capita sempre<\/em> cos\u00ec\u201d; espressioni che trasformano le esperienze in qualcosa di assoluto, e \u2018cancellano\u2019 dalla percezione e dal ricordo quelle esperienze o quegli aspetti positivi che potrebbero invece fungere da presupposto costruttivo per un miglioramento.<\/span>\r\n Sono piccoli esempi del potere del linguaggio nel limitare o potenziare le risorse creative; altrettanto importante \u00e8 il modo in cui immaginiamo noi stessi e la realt\u00e0; quella che in Pnl viene chiamata la nostra \u2018mappa del mondo\u2019. Mappa che viene costruita attraverso le immagini, i suoni, le sensazioni che creiamo inconsciamente e consciamente nel nostro cervello e che influenzano ogni nostro comportamento. Quanti musicisti si \u2018immaginano\u2019 gi\u00e0 di fallire ancor prima della loro esibizione? Quanti invece hanno immagini di s\u00e9 potenzianti e stimolanti? E come fare per iniziare a \u2018giocare\u2019 con le rappresentazioni interne in modo<\/span>\r\n da sostenere e rinforzare la nostra performance e, pi\u00f9 in generale, la nostra creativit\u00e0, la nostra sicurezza, il nostro benessere?<\/span>\r\n La possibilit\u00e0 di rispondere a queste domande, anche attraverso un lavoro personalizzato, capace di entrare nella specificit\u00e0 dei meccanismi soggettivi (sempre profondamente diversi) di ognuno, pu\u00f2 fare la differenza nella vita di un musicista. E\u2019 facile comprendere il nesso tra lo stato interiore di un musicista e la sua resa artistica, sia essa in pubblico o nella relazione quotidiana con lo strumento, nelle prove di preparazione come nell\u2019insegnamento. Lo stato \u00e8 l\u2019insieme di pensieri, atteggiamenti, emozioni e condizioni fisiche che fanno per cos\u00ec dire da sfondo ad una determinata si tuazione; nel nostro caso, una performance musicale. Molti studi hanno evidenziato come proprio l'abilit\u00e0 di gestire il proprio stato psicofisico \u00e8 la capacit\u00e0 comune pi\u00f9 importante di tutte quelle persone, che, in ogni ambito, conseguono risultati importanti. Si possono osservare musicisti che letteralmente si 'programmano' per entrare instati emozionali negativi o limitanti, attraverso i pensieri, gli atteggiamenti fisici e le emozioni che coltivano quotidianamente (e spesso inavvertitamente) dentro di loro. Qualcuno nutre la convinzione che uno stato di sicurezza e libert\u00e0 creativa sia riservato a persone speciali, di talento, che accada per caso o che sia qualcosa di completamente al di fuori del suo controllo. Alcuni musicisti, quando suonano, si sentono in bal\u00eca delle proprie emozioni del momento, o di situazioni esterne; altri invece sono abituati ad entrare in uno stato ottimale in modo inconscio, quasi automatico, ma non sono in grado di capire in che modo lo fanno e si trovano in difficolt\u00e0 quando non riesce loro in modo spontaneo. Altri, infine, si \u2018adattano\u2019 a suonare in stati di sforzo, ansia e tensione quasi disumani, nella convinzione che, almeno per loro, sia l\u2019unico modo possibile di affrontare la difficolt\u00e0 strrumentale o lo stress dell\u2019esibizione pubblica.<\/span>\r\n Chiunque pu\u00f2 imparare a richiamare, \u2018rievocare\u2019 consapevolmente stati positivi, potenzianti, attraverso i pensieri, le immagini mentali, gli atteggiamenti fisici, le decisioni che coltiva e persegue attivamente. La Programmazione Neuro-Linguistica (Pnl), fondata negli anni \u201970 da Bandler e Grinder, ha elaborato un insieme di conoscenze e strumenti estremamente raffinati per imparare a \u2018ricreare\u2019 uno stato desiderato, lavorando sul gioco interno delle rappresentazioni mentali, della fisiologia e sull\u2019uso consapevole del linguaggio. La Pn offre un set di strumenti sofisticatissimi e preziosi per un musicista che voglia scoprire in che modo si sta 'programmando', e quale sia la relazione tra le sue scelte quotidiane, i suoi pensieri e le sue attitudini fisiche con i risultati che consegue nella vita.<\/span>\r\n \u201cNon correre!\u201d \u201cNon avere paura!\u201d \u201cNon devo sbagliare!\u201d sono espressioni tipiche, che nella stragrande maggioranza dei casi sortiscono l\u2019effetto opposto a quello che vorrebbero ottenere. Si sa che il \u2018non\u2019 e le negazioni finiscono per avere un potere di attrazione fatale per l\u2019inconscio che viene \u2018calamitato\u2019 proprio nella direzione che si vorrebbe evitare. O quando sentiamo dire: \u201cNon sono mai riuscito a suonare bene in pubblico\u201d, \u201cMi capita sempre cos\u00ec\u201d; espressioni che trasformano le esperienze in qualcosa di assoluto, e \u2018cancellano\u2019 dalla percezione e dal ricordo quelle esperienze o quegli aspetti positivi che potrebbero invece fungere da presupposto costruttivo per un miglioramento.<\/span>\r\n Sono piccoli esempi del potere del linguaggio nel limitare o potenziare le risorse creative; altrettanto importante \u00e8 il modo in cui immagniamo noi stessi e la realt\u00e0; quella che in Pnl viene chiamata la nostra \u2018mappa del mondo\u2019. Mappa che viene costruita attraverso le immagini, i suoni, le sensazioni che creiamo inconsciamente e consciamente nel nostro cervello e che influenzano ogni nostro comportamento. Quanti musicisti si \u2018immaginano\u2019 gi\u00e0 di fallire ancor prima della loro esibizione? Quanti invece hanno immagini di s\u00e9 potenzianti e stimolanti? E come fare per iniziare a \u2018giocare\u2019 con le rappresentazioni interne in modo<\/span>\r\n da sostenere e rinforzare la nostra performance e, pi\u00f9 in generale, la nostra creativit\u00e0, la nostra sicurezza, il nostro benessere?<\/span>\r\n La possibilit\u00e0 di rispondere a queste domande, anche attraverso un lavoro personalizzato, capace di entrare nella specificit\u00e0 dei meccanismi soggettivi (sempre profondamente diversi) di ognuno, pu\u00f2 fare la differenza nella vita di un musicista.<\/span><\/p>\r\n Attenzione e apprendimento.<\/strong><\/span>\r\n Con l\u2019attenzione diventiamo consapevoli delle nostre percezioni, ad esempio, la qualit\u00e0 di un suono o una sensazione corporea. Con l\u2019attenzione facciamo scomparire le cose; come quando, concentrati su una lettura, non sentiamo i suoni intorno a noi; oppure le facciamo comparire, come quando, impegnati in una azione importante, improvvisamente ci rendiamo conto di essere in apnea e con un respiro profondo ci liberiamo delle nostre tensioni.<\/span>\r\n Molte religioni e discipline spirituali utilizzano la gestione dell\u2019attenzione come principale veicolo di potere personale e crescita spirituale; quasi tutte le pratiche meditative hanno in comune, essenzialmente, l\u2019obiettivo di disciplinare o liberare la mente attraverso l\u2019uso mirato dell\u2019attenzione. Alcune tradizioni antiche, come il Taoismo, considerano l'attenzione come una energia che plasma la realt\u00e0. Nel secolo scorso, la fisica quantistica \u00e8 arrivata a determinare che l'attenzione dell'osservatore influenza il comportamento delle particelle; in alcuni esperimenti, le particelle sembrano esistere solo nel momento in cui c'\u00e8 qualcuno che le osserva.<\/span>\r\n Ogni volta che portiamo l\u2019attenzione e la consapevolezza su un aspetto della realt\u00e0, questo diventa pi\u00f9 presente e reale, come quando sviluppiamo una propriocezione raffinata delle nostre dita mentre facciamo pratica su di uno strumento. Come recita un antico principio, ci\u00f2 su cui mettiamo l\u2019attenzione cresce e si espande, mentre ci\u00f2 che ignoriamo smette di crescere e muore.<\/span>\r\n La capacit\u00e0 personale di gestire l\u2019attenzione \u00e8 uno strumento fondamentale per imparare a \u201csentire\u201d non solo la musica, ma anche le emozioni, il corpo; per riconoscere gli effetti dei pensieri (consci e inconsci) sulla percezione musicale, sulla qualit\u00e0 dello studio e quella della esecuzione.<\/span>\r\n Una delle caratteristiche comuni alle persone che riescono veramente bene in qualcosa \u00e8 naturalmente la forte motivazione interiore, che si manifesta innanzitutto attraverso una gestione disciplinata della propria attenzione: essi decidono momento per momento su cosa vogliono concentrarsi e non sono facilmente preda di spinte e distrazioni esterne. Vivono la disciplina come il risultato di una spinta interiore della loro volont\u00e0, mentre coloro che la vivono come un dovere o un obbligo soffrono pi\u00f9 facilmente di cali di concentrazione, di dispersioni di tempo e di energia.<\/span>\r\n Uno dei principali compiti della Psicofisiologia<\/em> \u00e8 quello di permettere ai partecipanti dei corsi di mettere a fuoco come usano la loro attenzione e verificare in che misura le loro abitudini sono di aiuto o di freno alle loro attivit\u00e0. Con alcuni semplici esercizi vengono sperimentate le relazioni tra apprendimento, volont\u00e0 e attenzione in modo da recuperare un livello di apprendimento e di performance efficace e senza sforzo. L\u2019eccesso di sforzo nella concentrazione \u00e8, infatti, indice di conflitti interiori tra motivazioni diverse (per esempio, tra il senso del \u2018dovere\u2019 e ci\u00f2 che si vuole o desidera realmente).<\/span>\r\n Uno dei primi \u2018segreti\u2019 dell\u2019attenzione \u00e8 di imparare a dirigerla oltre la paura, le limitazioni, le difficolt\u00e0, verso i risultati che si intende conseguire. La classica \u2018paura di sbagliare\u2019 spesso si risolve con un semplice allenamento a re-indirizzare costantemente il proprio del \u2018focus\u2019 dall\u2019errore (con tutta la scia di autobiasimo e frustrazione che si porta dietro) alla rappresentazione interiore del risultato (l\u2019interpretazione musicale e l\u2019obiettivo che si intende raggiungere). Questo avviene letteralmente \u2018occupando\u2019 la mente in altre azioni, ad esempio cantando interiormente, focalizzandosi sulle sensazioni fisiche, dicendo dentro di s\u00e9 i nomi delle note, muovendo qualche parte del corpo in modo da allinearla al ritmo del brano, e via dicendo.<\/span>\r\n Un tipico modo di perdere il controllo dell'attenzione nell\u2019esecuzione musicale \u00e8 quando il musicista inizia ad ascoltare il suo dialogo interno. Il dialogo interno \u00e8 quella funzione che ci permette di parlare con noi stessi per ragionare e codificare le nostre sensazioni e le nostre esperienze, ma pu\u00f2 arrivare a \u2018invadere\u2019 il campo dell\u2019attenzione, interferendo con giudizi e commenti, per lo pi\u00f9 negativi (\u2018Sei il solito\u2019, \u2018Anche stavolta ho sbagliato\u2019 \u2018Non ce la far\u00f2 mai\u2019). Risucchiata da ci\u00f2 che \u00e8 avvenuto o dal timore di ci\u00f2 che accadr\u00e0, la mente, immersa in un \u2018cicaleccio\u2019 interiore, viene spostata fuori dal flusso del tempo e distoglie il musicista dall\u2019ascolto del suono. Il dialogo interno scatta in automatico e pu\u00f2 richiedere adeguate strategie per gestirlo.Con l\u2019attenzione diventiamo consapevoli delle nostre percezioni, ad esempio, la qualit\u00e0 di un suono o una sensazione corporea. Con l\u2019attenzione facciamo scomparire le cose; come quando, concentrati su una lettura, non sentiamo i suoni intorno a noi; oppure le facciamo comparire, come quando, impegnati in una azione importante, improvvisamente ci rendiamo conto di essere in apnea e con un respiro profondo ci liberiamo delle nostre tensioni.<\/span>\r\n Molte religioni e discipline spirituali utilizzano la gestione dell\u2019attenzione come principale veicolo di potere personale e crescita spirituale; quasi tutte le pratiche meditative hanno in comune, essenzialmente, l\u2019obiettivo di disciplinare o liberare la mente attraverso l\u2019uso mirato dell\u2019attenzione. Alcune tradizioni antiche, come il Taoismo, considerano l'attenzione come una energia che plasma la realt\u00e0. Nel secolo scorso, la fisica quantistica \u00e8 arrivata a determinare che l'attenzione dell'osservatore influenza il comportamento delle particelle; in alcuni esperimenti, le particelle sembrano esistere solo nel momento in cui c'\u00e8 qualcuno che le osserva.<\/span>\r\n Ogni volta che portiamo l\u2019attenzione e la consapevolezza su un aspetto della realt\u00e0, questo diventa pi\u00f9 presente e reale, come quando sviluppiamo una propriocezione raffinata delle nostre dita mentre facciamo pratica su di uno strumento. Come recita un antico principio, ci\u00f2 su cui mettiamo l\u2019attenzione cresce e si espande, mentre ci\u00f2 che ignoriamo smette di crescere e muore.<\/span>\r\n La capacit\u00e0 personale di gestire l\u2019attenzione \u00e8 uno strumento fondamentale per imparare a \u201csentire\u201d non solo la musica, ma anche le emozioni, il corpo; per riconoscere gli effetti dei pensieri (consci e inconsci) sulla percezione musicale, sulla qualit\u00e0 dello studio e quella della esecuzione.<\/span>\r\n Una delle caratteristiche comuni alle persone che riescono veramente bene in qualcosa \u00e8 naturalmente la forte motivazione interiore, che si manifesta innanzitutto attraverso una gestione disciplinata della propria attenzione: essi decidono momento per momento su cosa vogliono concentrarsi e non sono facilmente preda di spinte e distrazioni esterne. Vivono la disciplina come il risultato di una spinta interiore della loro volont\u00e0, mentre coloro che la vivono come un dovere o un obbligo soffrono pi\u00f9 facilmente di cali di concentrazione, di dispersioni di tempo e di energia.<\/span>\r\n Uno dei principali compiti della Psicofisiologia \u00e8 quello di permettere ai partecipanti dei corsi di mettere a fuoco come usano la loro attenzione e verificare in che misura le loro abitudini sono di aiuto o di freno alle loro attivit\u00e0. Con alcuni semplici esercizi vengono sperimentate le relazioni tra apprendimento, volont\u00e0 e attenzione in modo da recuperare un livello di apprendimento e di performance efficace e senza sforzo. L\u2019eccesso di sforzo nella concentrazione \u00e8, infatti, indice di conflitti interiori tra motivazioni diverse (per esempio, tra il senso del \u2018dovere\u2019 e ci\u00f2 che si vuole o desidera realmente).<\/span>\r\n Uno dei primi \u2018segreti\u2019 dell\u2019attenzione \u00e8 di imparare a dirigerla oltre la paura, le limitazioni, le difficolt\u00e0, verso i risultati che si intende conseguire. La classica \u2018paura di sbagliare\u2019 spesso si risolve con un semplice allenamento a re-indirizzare costantemente il proprio del \u2018focus\u2019 dall\u2019errore (con tutta la scia di autobiasimo e frustrazione che si porta dietro) alla rappresentazione interiore del risultato (l\u2019interpretazione musicale e l\u2019obiettivo che si intende raggiungere). Questo avviene letteralmente \u2018occupando\u2019 la mente in altre azioni, ad esempio cantando interiormente, focalizzandosi sulle sensazioni fisiche, dicendo dentro di s\u00e9 i nomi delle note, muovendo qualche parte del corpo in modo da allinearla al ritmo del brano, e via dicendo.<\/span>\r\n Un tipico modo di perdere il controllo dell'attenzione nell\u2019esecuzione musicale \u00e8 quando il musicista inizia ad ascoltare il suo dialogo interno. Il dialogo interno \u00e8 quella funzione che ci permette di parlare con noi stessi per ragionare e codificare le nostre sensazioni e le nostre esperienze, ma pu\u00f2 arrivare a \u2018invadere\u2019 il campo dell\u2019attenzione, interferendo con giudizi e commenti, per lo pi\u00f9 negativi (\u2018Sei il solito\u2019, \u2018Anche stavolta ho sbagliato\u2019 \u2018Non ce la far\u00f2 mai\u2019). Risucchiata da ci\u00f2 che \u00e8 avvenuto o dal timore di ci\u00f2 che accadr\u00e0, la mente, immersa in un \u2018cicaleccio\u2019 interiore, viene spostata fuori dal flusso del tempo e distoglie il musicista dall\u2019ascolto del suono. Il dialogo interno scatta in automatico e pu\u00f2 richiedere adeguate strategie per gestirlo.<\/span>\r\n Durante un concerto, l'energia della musica viene in qualche modo amplificata dall\u2019attenzione degli ascoltatori. Essere al centro dell'attenzione comporta una sorta di espansione delle percezioni e delle emozioni di chi suona; il musicista che si esibisce in pubblico ha bisogno di imparare a gestire questo potenziale energetico accettando e integrando, senza lasciarsi sopraffare, la carica emozionale prodotta da una sala affollata, che giunge appunto sotto forma di attenzione.<\/span><\/p>\r\n Il corpo e la vibrazione della musica<\/strong><\/span>\r\n Sta definitivamente tramontando la cultura nella quale il \u2018vero\u2019 musicista ha il compito di sacrificarsi, soffrire, per raggiungere traguardi sempre pi\u00f9 alti. Il mito della sofferenza e del martirio \u00e8 stato accompagnato per molto tempo ad una incoscienza, quasi uno spregio della fisicit\u00e0, come il corpo rappresentasse una resistenza da vincere. Un corpo rigido o teso difficilmente sar\u00e0 in grado di canalizzare la variet\u00e0 delle emozioni della musica; esso \u00e8 il primo vero strumento musicale, che ha bisogno di essere messo nelle condizioni di \u2018vibrare\u2019 insieme alla musica.<\/span>\r\n Ancora oggi alcuni giovani sembrano manifestare una attitudine simile nel loro modo di studiare e suonare, ma, per fortuna, al di l\u00e0 delle posizioni estreme, molte scuole condividono il fatto che la consapevolezza del corpo, del gesto, della respirazione siano fattori indispensabili per una buona esecuzione. Un musicista, infine, ha bisogno di una formazione a livello corporeo anche perch\u00e9 nel tempo, studiando e suonando molte ore al giorno, in posizioni spesso innaturali, sottoposto a stress e viaggi, ha bisogno di sapere quali rischi corre e soprattutto come curarli (o meglio ancora, prevenirli) per evitare le tipiche malattie professionali. Ancora oggi incontriamo musicisti che non conoscono le pi\u00f9 semplici leggi e comportamenti per mantenere il loro corpo in buona salute.<\/span>\r\n E\u2019 importante in ogni caso che il musicista si renda conto che lo sviluppo della autoconsapevolezza fisica \u00e8 un compito che dura tutta la vita e va di pari passo all\u2019approfondimento e alla crescita artistica e umana. Una buona tecnica strumentale non pu\u00f2 prescindere da una conoscenza sapientemente indirizzata del corpo, della fisiologia e della anatomia; tuttavia, n\u00e9 una buona didattica artigianale, n\u00e9 conoscenze oggettive e scientifiche possono sostituire lo sviluppo costante della cosiddetta propriocezione, ovvero la capacit\u00e0 di autopercepirsi. Un buon lavoro sul corpo connette le conoscenze oggettive al \u2018sentire\u2019, \u2018percepire\u2019 interiormente, al raffinamento della sensibilit\u00e0. Imparare a \u201dsentirsi\u201d consente di imparare a correggersi e migliorarsi, trovare da soli la soluzione di un problema, diventare consapevoli delle proprie possibilit\u00e0, ottimizzare il tempo, sentirsi a proprio agio e sviluppare la fiducia in se stessi.<\/span>\r\n La Psicofisiologia<\/em> promuove quindi un atteggiamento di ricerca sulla consapevolezza fisica, offrendo esperienze collettive, lavoro individuale e stimolando all\u2019intuizione delle possibilit\u00e0 infinite di risveglio della sensibilit\u00e0 e delle facolt\u00e0 creative del corpo. Intende inoltre divulgare quelle metodologie (come i metodi Alexander, Feldenkreis, Rolfing, Trager e tanti altri) e quelle terapie che, con strade diverse, hanno l\u2019obiettivo di incrementare la consapevolezza corporea o risolvere specifiche problematiche posturali, incoraggiando i musicisti a sceglierle ed esplorarle approfonditamente in prima persona.<\/span>\r\n Non finiamo di stupirci di quali \u2018miracoli\u2019, letteralmente, possano avvenire, nelle capacit\u00e0, anche tecniche ed interpretative, di un esecutore (oltre che nel suo benessere) dopo alcune sedute approfondite di lavoro sul corpo. Questo ci fa capire come abbiamo ancora tutto da capire e da scoprire sulla relazione tra corpo, fisicit\u00e0, espressione musicale e capacit\u00e0 strumentali.<\/span>\r\n E\u2019 bene sottolineare che occuparsi del corpo in termini puramente \u2018meccanici\u2019 o di \u2018efficienza\u2019 pu\u00f2 impoverire molto il lavoro del musicista, come quando si lavora sulla \u2019tecnica\u2019 strumentale in modo puramente \u2018fisiologico\u2019. La comprensione del corpo pu\u00f2 venire enormemente arricchita a partire da modelli diversi da quello della pura efficienza, come i concetti di energia e di vitalit\u00e0. Quale tipo di energia esprimono il nostro corpo e la nostra postura mentre suoniamo? Il nostro corpo favorisce l\u2019espressione delle emozioni o le tende a bloccare e limitare? Quanto vitale e vibrante pu\u00f2 e deve essere il corpo di un musicista? Come incentivare queste qualit\u00e0?<\/span>\r\n Tra la consapevolezza corporea e l\u2019auto-espressione c\u2019\u00e8 una stretta relazione, evidente dalla correlazione del gesto con l\u2019atteggiamento psicologico e lo stato dell\u2019esecutore. Offrire al gesto uno scopo espressivo e non solamente \u2018funzionale\u2019 (il che naturalmente \u00e8 gi\u00e0 un buon risultato, anche se non sufficiente) permette di assimilarlo pi\u00f9 intensamente e di sollecitare una comprensione pi\u00f9 profonda della \u2018tecnica\u2019 strumentale.<\/span><\/p>\r\n Interiorizzare la musica<\/strong><\/span>\r\n Un alto livello interpretativo implica l\u2019immedesimazione, l\u2019identificazione con l\u2019opera d\u2019arte: un grande artista non d\u00e0 l\u2019impressione di \u2018fare\u2019 qualcosa ma piuttosto di \u2018essere\u2019 tutt\u2019uno con ci\u00f2 che sta suonando. Un gruppo di musicisti, un\u2019orchestra di alto livello vivono, suonando, momenti di unit\u00e0 con gli altri e con la musica spesso invidiati dal pubblico non musicista. Talvolta la capacit\u00e0 di interiorizzare viene considerata un \u201ca priori\u201d , un dono del talento, un aspetto quasi impossibile da insegnare. In realt\u00e0, il processo di interiorizzazione viene costruito, consapevolmente o no, attraverso processi psicofisiologici. Per favorire il processo di interiorizzazione \u00e8 necessario prendere coscienza del proprio modo di porsi a livello fisico, psicologico, mentale.<\/span>\r\n Un esempio efficace \u00e8 l\u2019appropriazione interiore del ritmo: spesso gli studenti con problemi ritmici tentano di trovare soluzioni concentrandosi su un ritmo esterno, utilizzano il metronomo o \u201ccontano\u201d mentalmente mentre suonano. Il ritmo \u00e8 una manifestazione di energia che si dispiega nella struttura musicale attraverso la metrica, l\u2019articolazione delle frasi, il succedersi di tensionie distensioni, e molti altri livelli. La sua \u2018comprensione\u2019 a livello corporeo e non solo teorico e mentale o matematico \u00e8 ineludibile; \u2018sentire\u2019 il ritmo implica la consapevolezza di tutti questi aspetti e il loro allineamento al sistema psicofisiologico dell\u2019interprete Durante il seminari di Psicofisiologia<\/em> gli studenti esplorano i rapporti tra interiorizzazione del ritmo e consapevolezza del movimento e della respirazione, la relazione tra ritmo e gesto e il cambiamento dei livelli di attenzione e percezione del tempo musicale nelle diverse fasi di elaborazione ed esecuzione di un brano.<\/span>\r\n Fondamentale \u00e8 lo sviluppo della abilit\u00e0 di \u2018eseguire\u2019 interiormente un brano, rappresentando l\u2019esecuzione in tutte le sue componenti uditiva, visiva, e cinestesica (le sensazioni tattili, ad esempio). L\u2019esecuzione mentale \u00e8 uno strumento potentissimo se svolto correttamente; usato ormai comunemente nello sport, fatica ancora ad imporsi nella formazione musicale, sebbene risulti storicamente utilizzato dai pi\u00f9 grandi musicisti del passato, come ad esempio Paganini. A questo proposito \u00e8 preziosissimo l\u2019utilizzo delle submodalit\u00e0 della Pnl, che insegna a divenire sensibili all\u2019effetto che a volte piccoli dettagli delle nostre immagini interne (la loro grandezza, ad esempio, o la loro luminosit\u00e0) hanno nell\u2019incrementare o inibire le nostre risorse. Perch\u00e9 siano efficaci, queste pratiche vanno associate in modo creativo alle emozioni e alla fantasia, affinch\u00e9 risultino vive e stimolanti per la mente conscia e per quella inconscia.<\/span><\/p>\r\n Cosa credi?<\/strong><\/span>\r\n \u201cLa vita del musicista \u00e8 ingrata\u201d, \u201cSuonare in pubblico \u00e8 sempre uno stress\u201d \u201cnon ho abbastanza talento\u201d \u201cE\u2019 fatto cos\u00ec!\u201d<\/span>\r\n Le convinzioni, ovvero ci\u00f2 che crediamo della vita e di noi stessi influenza potentemente i nostri risultati e le nostre esperienze. Le convinzioni di un musicista (ad esempio: \u2018ho le capacit\u00e0 per farlo\u2019 o \u2018non ho abbastanza talento\u2019) possono indirizzarlo verso una vita di realizzazioni o di infinite frustrazione e insoddisfazioni. Possono riguardare ci\u00f2 che ritiene di sapere o non sapere fare (\u2018non so suonare Beethoven\u2019), le sue potenzialit\u00e0 (\u2018non riuscir\u00f2 mai a suonare come lui\u2019) , la sua stessa identit\u00e0 (\u2018sono un musicista realizzato\u2019) e agiscono come una sorta di programma interno che influenza lo sviluppo delle sue risorse e del suo talento. Qualcuno ha definito le convinzioni \u2018profezie auto-avverantesi\u2019. In che senso possiamo accettare questa definizione?<\/span>\r\n Chi crede di non essere capace di fare qualcosa, tender\u00e0 ad impegnarsi poco, senza entusiasmo, quasi a conferma che sia giusto non crederci. Alla prima difficolt\u00e0, una voce gli dice: \u2018vedi?\u2019, ed ecco la conferma del \u2018fatto\u2019 oggettivo che non ce la far\u00e0; un tranello che lo induce, prima o poi, a desistere dall\u2019impegno.<\/span>\r\n Le convinzioni inducono una sorta di \u2018ipnosi\u2019 che ci fa vedere quello che ci aspettiamo di vedere, o comportarci come ci aspettiamo di agire. Esse influenzano tutto il sistema psico-fisico e neurologico. Le convinzioni possono scatenare fiumi di adrenalina, bloccare la respirazione e la circolazione sanguigna. Per un musicista, il solo pensiero \u2018adesso sbaglio\u2019, durante una esecuzione, pu\u00f2 fargli tremare le mani, irrigidire le spalle, a rrivare a bloccarlo e paralizzarlo fisicamente.<\/span>\r\n Spesso le convinzioni vengono assorbite, spesso in consciamente, da un maestro o dall\u2019ambiente musicale (si pu\u00f2 parlare di sistemi di convinzioni circolanti nell\u2019ambito musicale). \u2018 (Non) sei portato per questo genere\u2019 \u2018fanno carriera solo i raccomandati\u2019 sono tipi di convinzioni molto diffuse e possono condizionare una intera vita, se non vengono mai messe in discussione o trasformate. Le convinzioni di un maestro riguardo al suo allievo sono uno degli strumenti pi\u00f9<\/span>\r\n potenti della formazione, potendo spingerlo in direzioni completamente opposte. E\u2019 molto utile che i musicisti siano consapevoli delle convinzioni che hanno, di come influenzano la loro vita, le loro capacit\u00e0 e soprattutto di come imparare a modificarle.<\/span>\r\n Le convinzioni toccano anche ci\u00f2 che si crede importante, ovvero i valori e le motivazioni profonde. Questo \u00e8 un tema delicato e forse tra i pi\u00f9 determinanti per la Psicofisiologia<\/em>. Un buon lavoro sui propri valori pu\u00f2 capovolgere la vita di una persona , tanto pi\u00f9 quella di un musicista che, durante gli studi, pu\u00f2 sviluppare confusione riguardo a ci\u00f2 che vuole veramente o, nel corso del tempo, arrivare a perdere l\u2019entusiasmo e il desiderio di crescere e rinnovarsi. Particolarmente istruttivo, a questo proposito, il commento svolto da uno studente di un corso di Psicofisiologia<\/em>, su un questionario anonimo:<\/span>\r\n E\u2019 stato molto interessante soprattutto perch\u00e9 non ho mai sentito parlare di questi argomenti, nonostante abbia conseguito il diploma da soli due anni. Credo che un corso analogo servirebbe anche agli insegnanti, soprattutto agli insegnanti pi\u00f9 anziani che hanno perso di vista gli obiettivi primari dell\u2019insegnamento.\r\n<\/em><\/span><\/p>\r\n L\u2019arte di studiare<\/strong><\/span>\r\n La fase dello studio \u00e8 la colonna portante di tutta la vita artistica e professionale del musicista. Usiamo l\u2019espressione \u2018arte di studiare\u2019 al posto di quella pi\u00f9 comune \u2018metodo di studio\u2019, per riferirci a quell\u2019insieme di strumenti, qualit\u00e0 e atteggiamenti generali che riguardano la relazione con lo studio e vanno al di l\u00e0 delle infinite differenze tra i vari metodi e le varie scuole. Una sorta di livello pi\u00f9 ampio, che potremmo chiamare anche meta-apprendimento. Il modo di studiare cambia man mano che le esperienze ci arricchiscono, le conoscenze aumentano, le informazioni e metodi vengono integrati ma l\u2019arte di studiare in modo efficace e consapevole viene determinata dalla nostra capacit\u00e0 di guidare e sostenere responsabilmente i nostri processi di apprendimento; come la consapevolezza corporea, alla quale \u00e8 strettamente collegata, l\u2019arte di studiare si evolve costantemente durante tutta la vita. Prevede la possibilit\u00e0 di migliorare e modificare il proprio metodo di studio attraverso un atteggiamento fluido di costante disponibilit\u00e0, diventando \u2018maestri di se stessi\u2019.<\/span>\r\n Il primo requisito di uno studio efficace \u00e8 che sia svolto in armonia e integrit\u00e0 con le proprie motivazioni profonde. Una preparazione condotta senza entusiasmo, una qualche forma personale di ambizione, miglioramento, crescita o successo, non potr\u00e0 mai condurre a risultati eccellenti. Conoscersi e sapere cosa ci \u2018sveglia\u2019, accende l\u2019entusiasmo, mobilita l\u2019incremento delle nostre risorse e sapere utilizzare queste conoscenze attiv amente \u00e8 il primo passo, che dona l\u2019energia per affrontare tutte le difficolt\u00e0, gli scogli, gli impedimenti che inevitabilmente si trovano sul cammino.<\/span>\r\n Vogliamo qui sottolineare alcuni atteggiamenti e convinzioni utili allo sviluppo di uno studio creativo.<\/span>\r\n L\u2019esperienza comune suggerisce che, particolarme nte mentre studia, il musicista pu\u00f2 cadere in meccanismi automatici, dove prevalgono le abitudini e la ripetitivit\u00e0, quando non addirittura un atteggiamento ossessivo e nevrotico. Una convinzione molto utile nella fase di preparazione \u00e8 quella secondo la quale non esistono errori, ma solo apprendimenti. Ogni errore \u00e8 un \u2018feedback\u2019 che ci sta insegnando qualcosa. Anzich\u00e9 reagire biasimandosi o dandosi spiegazioni preconfezionate, un musicista esperto sa osservare senza giudicare, per mettendosi una sufficiente \u2018distanza\u2019 emotiva per osservare cosa non ha funzionato. Osservando ci\u00f2 cha ha fatto con distacco, egli pu\u00f2 innanzitutto valorizzarne gli aspetti positivi, e successivamente chiedersi cosa \u00e8 necessario cambiare, fare o<\/span>\r\n pensare per migliorare; ad esempio, sviluppare la ricerca di nuove strategie, mettere pi\u00f9 attenzione al corpo o a qualche specifico aspetto musicale e via dicendo. La ripetizione meccanica dei passaggi, tanto praticata da studenti come da musicisti in carriera, consuma molte energie e nasconde la paura di non farcela, come in una continua sfida con se stessi. Oltre ad essere inefficace, in quanto fa perdere molto tempo, la ripetizione meccanica finisce per rinforzare quello che voleva evitare, ovvero l\u2019insicurezza e l\u2019ansia.<\/span>\r\n Spesso un simile atteggiamento nasconde una carenza di strategie di studio adeguate, o la paura di metterle in discussione. Questo conduce ad un\u2019altra importante abilit\u00e0, ossia quella di sapersi porre domande e soprattutto le domande giuste. Cosa intendiamo?<\/span>\r\n Ogni nostra azione comportamento \u00e8 una risposta a qualche domanda, implicita o esplicita, conscia o inconscia. Ad esempio \u2018cosa \u00e8 pi\u00f9 importante in questo brano?\u2019 \u00e8 una domanda che determiner\u00e0 le mie scelte interpretative. \u2018Come fare per risolvere questo problema? \u2018 \u00e8 una domanda che orienta le mie energie e la mia attenzione verso una soluzione del problema.<\/span>\r\n Ma se, studiando, mi domando: \u2018ce la far\u00f2?\u2019 , oppure: \u2018chiss\u00e0 se far\u00f2 bella figura!\u2019, o ancora: \u2018perch\u00e9 a lui viene cos\u00ec bene e a me no?\u2019, indovinate dove andranno la mia attenzione e la mia energia! Ci sono domande utili e domande devianti.<\/span>\r\n Chiedersi costantemente il perch\u00e9 delle cose (\u2018perch\u00e9 sbaglio sempre questo passaggio?), di solito \u00e8 meno utile che porsi domande che ci portano nella direzione di un risultato (\u2018cosa posso fare per risolvere questo passaggio?\u2019).<\/span>\r\n La crescita artistica, come quella umana, \u00e8 quindi legata alla capacit\u00e0 di porsi nuove domande, pi\u00f9 creative e stimolanti. La creativit\u00e0, a sua volta, \u00e8 influenzata dal senso del tempo.<\/span>\r\n Anche il musicista, come tutti oggi, \u00e8 pressato dal \u2018tempo\u2019 esterno che richiede lo svolgimento di compiti sempre pi\u00f9 difficili in \u2018tempi\u2019 sempre pi\u00f9 rapidi. Tutti devono affrontare la sfida dello stress legato al tempo, che sembra non essere mai abbastanza. La bellezza, la magia di studiare senza limiti di tempo sembra divenuta ormai il privilegio di pochissimi. La gestione dell\u2019attenzione raffinata, permette, letteralmente, di imparare a \u2018dilatare\u2019 o \u2018contrarre\u2019 il tempo. Ogni musicista sa per esperienza che un tempo rapido, musicalmente parlando, pu\u00f2 venire vissuto come se fosse lento, quando la percezione \u00e8 intensamente focalizzata momento per momento nel flusso musicale. Questo permette di comprendere come la rapidit\u00e0 dello scorrere del tempo sia qualcosa di soggetto al modo in cui viviamo le nostre percezioni. Studiare \u2018dilatando\u2019 il tempo attraverso la gestione dell\u2019attenzione e delle percezioni \u00e8 uno strumento interessante e spesso sorprendente per ottimizzare i tempi di studio.<\/span>\r\n Luoghi comuni su quante ore al giorno di studio siano richieste ad un musicista spesso si limitano ad enumerare la quantit\u00e0 di tempo senza definire con precisione gli elementi che invece danno qualit\u00e0 allo studio, e come tali rendono variabile il tempo necessario per ottenere gli stessi risultati.<\/span>\r\n Convinzioni che tendono a favorire un atteggiamento passivo per cui ci\u00f2 che conta \u00e8 lo scorrere delle lancette dell\u2019orologio.<\/span>\r\n In realt\u00e0, gli squilibri nella gestione del tempo e della attenzione dipendono perlopi\u00f9 dalla confusione di obiettivi. Un musicista pu\u00f2 avere una o due ore di tempo a disposizione in una giornata; per rendere fruttuose, deve essere in grado di formulare obiettivi chiari e realistici che indirizzino in modo preciso e inequivocabile lo studio, senza dispersioni. E\u2019 un\u2019esperienza comune a tutti i musicisti, quando i tempi si riducono (per esempio quando passano dal ruolo di studenti a quello di professionisti, magari anche con una famiglia a carico) di essere costretti ad imparare sfruttare al meglio il tempo disponibile. La chiarezza dello scopo nello studio, momento per momento, aiuta ad eliminare la confusione e fa accrescere un altro degli aspetti che amiamo sottolineare: uno studio veramente efficace \u00e8 necessariamente piacevole.<\/span>\r\n Il senso del piacere pu\u00f2 essere soggettivo e pu\u00f2variare a seconda dei momenti. Pu\u00f2 manifestarsi come piacere fisico nel suonare, come stimolo intellettuale, come senso di gratificazione e di soddisfazione, come emozione e ispirazione. Per alcuni il piacere dello studio \u00e8 dato dall\u2019anticiparsi, con l\u2019immaginazione, il momento del concerto, dell\u2019esame o del concorso. Avere un obiettivo e finalit\u00e0 precise e motivanti \u00e8 altamente stimolante, anche se, portata all\u2019eccesso, pu\u00f2 spingere eccessivamente nella proiezione verso il risultato, creando ansia ed eccesso di aspettative.<\/span>\r\n Per altri, invece, il vero piacere dello studio nasce da un atteggiamento curioso, esplorativo maggiormente centrato sul momento presente; il rischio di chi vive esclusivamente nel presente \u2018continuo\u2019\u00e8 quello di disperdere energie e tempo senza obiettivi e risultati precisi.<\/span>\r\n In ogni caso, una sessione di studio che renda il corpo stanco e teso, la mente affaticata, la sensibilit\u00e0 annebbiata, difficilmente porter\u00e0 buoni frutti. Alcuni associano lo studio al dovere anzich\u00e8 al piacere; in questi casi il primo passo per imparare a coltivare la piacevolezza \u00e8 quella di cambiare il punto di vista al riguardo, attuando una revisione dei valori, delle motivazioni, come anche delle percezioni durante lo studio.<\/span>\r\n Pazienza e disciplina sono valori spesso oggi poco incentivati dalla cultura dominante, e quindi spesso mal compresi. Alcuni la interpretano come lo sforzo di reprimere la frustrazione per non essere gi\u00e0 arrivati dove desiderano. Al contrario, la pazienza \u00e8 proprio l\u2019espressione della fiducia di poter arrivare dove aspiriamo, ed \u00e8 connessa all\u2019autostima. Avere pazienza consente di tollerare le frustrazioni che inevitabilmente si vivono senza perdere lo slancio e il desiderio di continuare. Se di fronte ad ogni difficolt\u00e0, un musicista tende a cadere in uno stato di frustrazione o scoraggiamento, probabilmente ha bisogno di scoprire la vera radice dell\u2019autostima. Essa nasce essenzialmente da una sensazione di meritare la felicit\u00e0 e l\u2019appagamento e dall\u2019impegno ad assumersi la responsabilit\u00e0 del proprio sviluppo personale.<\/span>\r\n Come diceva il grande pianista Claudio Arrau, talvolta la paura del successo \u00e8 altrettanto potente della paura dell\u2019insuccesso. Forse sono strettamente intrecciate, e chiedono all\u2019artista di fare i conti con la propria immagine di s\u00e9. Quanto un musicista pu\u00f2 crescere, diventare creativo, superare i suoi limiti, le sue paure, dipende molto da quanto riesce a lasciar andare l\u2019immagine di s\u00e9 ideale o vi resta imprigionato. Pu\u00f2 essere un modello di perfezione, un immagine legata ai suoi successi passati, ma tutto il bisogno di approvazione o di riconoscimento svanisce quando inizia a scegliere di vivere, suonare, agire in base al principio di autorealizzazione e al piacere di esprimersi.<\/span><\/p>","_et_gb_content_width":"","footnotes":""},"categories":[10],"tags":[],"class_list":["post-1001","post","type-post","status-publish","format-standard","hentry","category-articles"],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/1001","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/users\/2"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=1001"}],"version-history":[{"count":39,"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/1001\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":2604,"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/1001\/revisions\/2604"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=1001"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=1001"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/righini-zadra.it\/en\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=1001"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}
This perspective is the result of many years of artistic, pedagogical and research activity, and of an extensive exploration of disciplines related to personal development, body awareness and learning processes, such as Neuro-Linguistic Programming, the Feldenkrais Method, postural integration, bioenergetics and other approaches centred on perception and self-regulation.
At the core of this work lies a simple but often underestimated fact:
musical performance is never only a technical act.
It is always the expression of a global psychophysical state.<\/p>\n
\u2022 sound quality and tone production
\u2022 technical coordination and precision
\u2022 expressive freedom and musical communication
\u2022 stability and reliability under pressure<\/p>\nFrom difficulties to models of excellence<\/strong><\/h4>\n
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\u00a0<\/h5>\n
Attention and inner dialogue<\/strong><\/h5>\n
If attention becomes fragmented or absorbed by self-critical thoughts, the quality of perception and motor control is inevitably affected.<\/p>\n
reduce mental noise and self-sabotaging inner dialogue
stabilise performance under pressure
remain connected to sound, gesture and musical intention
Particular emphasis is placed on recognising habitual mental patterns and automatic reactions, and on developing practical strategies to return to a state of presence and perceptual clarity while playing.<\/p>\nThe body as the first musical instrument<\/strong><\/h5>\n
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Internalisation, imagery and creative processes<\/strong><\/h5>\n
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Beliefs, motivation and artistic identity<\/strong><\/h5>\n
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The art of practising<\/strong><\/h5>\n
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